Entrevista a Claudio Roveda de
Nahuel Santiago
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Esta es la
tercera vez que voy al taller de Claudio Roveda. En los dos primeros encuentros,
hablamos mucho, muchísimo de arte, me mostró libros (como su atesorado y
hermoso libro de Greco), intercambiamos anécdotas, nos conocimos y dejamos
sentadas las bases para en esta tercera jornada llevar a cabo la entrevista.
Algo nunca varió en estos tres encuentros: el ritmo y la velocidad con la que
suceden las cosas alrededor de este artista que, mientras realiza detalles
minuciosos de sus obras, atiende el teléfono, habla con uno, dos ( o la
cantidad de gente que esté en su taller), ceba mate, está atento a cada paso de
su hijo Francisco (una ternura de chico)jugándole o haciendo lo que fuese
necesario para que “Fran” no deje de reír, resuelve asuntos de sus alumnos de
lo que sea y por si fuera poco esta atento a que música debe sonar para acompañar
esto, que a simple viste pareciera ser un lugar donde reinara el desorden y el
caos. Pero nada de eso es así, cada varilla, lienzo, vidrio, marco, todo lo que
sucede y esta dentro de su estudio, responde a un solo orden: el de él mismo, y
es de esta forma que encuentra el equilibrio perfecto para su trabajo y el
resultado está a la vista: son sus maravillosas obras.
Claudio
Roveda nació en Buenos Aires en 1962. Desde el año 1977, reside en Mar del
Plata. Su taller funciona desde 1992 en la calle Patagones, en la zona de la
Perla. Si echamos un pequeño vistazo a su historia, nos daremos cuenta que
estamos en presencia de lo que dice un artista con trayectoria, que estudio
entre 1994 y 1998 en la escuela de Artes Visuales Martin Malharro, que durante
4 años consecutivos (1999 – 2002) fue seleccionado para las Becas de Producción
y Análisis de Obra por la Fundación Antorchas, realizadas en el Fondo
Internacional de Arte Contemporáneo de Mar del Plata. En el 2004 fue invitado
por TRAMA para los encuentros regionales de Análisis de Gestión para
Iniciativas de Artistas Emergentes, realizados en el Espacio VOX, Bahía Blanca.
Entre el 2006 y el 2008 participó de los encuentros de análisis y producción, a
cargo de Diana Aisenberg, Rafael Cippolini y Fabián Burgos y que desde el año
1997 muestra su obra en reconocidos lugares como: ArteBa, Expotrastienda,
MACLA, Bienal Nacional de Bahía Blanca, Centro Cultural Borges, Museo
Castagnino de Rosario, Premio OSDE, PINTA Art Fair (La feria más importante
destina al arte de nuestro continente, realizada en Nueva York), por citar
algunos lugares.
Claudio ahora tiene cara de cansado. Son las 5 de la tarde y me cuenta que desde la noche anterior está trabajando sin parar en su última obra, que tiene como destino la Bienal de Bahía Blanca, donde quedo nuevamente seleccionado. Pero todo camino tiene un origen, un principio…
Claudio ahora tiene cara de cansado. Son las 5 de la tarde y me cuenta que desde la noche anterior está trabajando sin parar en su última obra, que tiene como destino la Bienal de Bahía Blanca, donde quedo nuevamente seleccionado. Pero todo camino tiene un origen, un principio…
N:- ¿Cómo fue tu primer contacto con el arte? ¿En qué momento decidiste dedicar tu vida a él?
C:-Fue muy raro, hasta los 32 años no tenía nada que ver con el arte, un día fui de casualidad a ver una conferencia de Pérez Celis, y me quede flasheado. Averigüe ahí nomas donde podía estudiar algo relacionado a la pintura, y me dijeron de la Malharro. No lo dude , hice cinco años de profesorado y Realización, no tengo oficialmente los títulos porque no hice las practicas docentes , siempre supe que iba para ser artista, y además me preguntaba eso casi al final. ¿Que hago ahora? La realidad es que con el tiempo te envuelve, y no paras de hacer cosas que tengan que ver con el arte.
N:-Y dentro de ese remolino constante de producción, ¿sos de los que creen en el don divino o en la ley del esfuerzo y el trabajo?
C:-Emulando
a Pablo Siquier, que lo menciona siempre, dice que existen dos tipos de
artista, los talentosos y los voluntariosos, y él se pone en el segundo grupo,
yo agregaría una variante que se transformaría en una tercera categoría, y es
la que diría “soy un artista que me forje mi propio laboratorio, mi propia
historia intima con la obra, y a veces se me ocurren algunas buenas ideas”…. A
veces descreo de los trabajadores del arte, que laburan ocho o diez horas todos
los días, y que dicen que si la inspiración llega los agarra trabajando. Mi
opinión personal es totalmente inversa , prefiero estar pensando que voy a
hacer , vivir en sintonía con lo que uno piensa de cómo va a hacer la obra, me
parece más positivo y más directo en la relación de la obra y su calidad , me
gusta pensarla antes, tenerla en la cabeza o escrita. A veces hago listas
enormes de obras explicadas, y que creo no voy a hacer nunca, pero ya las hice
al contármelas. Tal vez algún día alguien tome la posta y las transforme en
objetos reales…
El asunto
sería que para poder hacer tus obras además de tu talento, harían falta tus
conocimientos para manejar tu materia prima, el vidrio.
N:-¿Cuál es
la relación que estableces con el vidrio, de dónde viene?
C:-Ese fue
otro accidente, o mejor dicho, uno es una cosa ante, durante y después, mi
oficio de vidriero y marquero me terminó de servir para hacer la obra. Lo
accidental fue encontrar en esos materiales cotidianos la capacidad de poder
expresar algo. Cuando empecé a pintar experimente de todo, lo tradicional y lo
no tanto, llegué a pintar con vino tinto, sobre el lienzo crudo, y resulto muy
interesante. Pero después apareció el vidrio, los reflejos, las refracciones,
las distorsiones, y la prismatización del color. Desde que puse un color detrás
de la masa de vidrio para que se refractara, no pinte mas casi, es imposible
pintar el color refractado, lo llame caseramente, “color óptico. Y realmente me
quitó las ganas de pintar por ahora con los materiales tradicionales.
N:-¿Y cómo surgen las obras, tenés algún mecanismo, procedimiento?
Me parece
que ya está instalado en mi esa especie de laboratorio que me he creado, por
ahí conté alguna vez que inventaba métodos y me los creía, y es así , a veces
encuentro materiales que dan opciones por como son y entonces los manipulo con
consignas, como en el caso de las yuxtaposiciones de bandas de vidrios, En
otros casos hay materiales que usados de alguna manera diferente crean
concepto, una idea, y entonces empiezo a sentir que aparece una gran ilusión ,
pero en el sentido de representar algo , una ilusión óptica , un engaño, una
trampa. Siempre recuerdo la instalación en museo bruzzone llamada “agua “ y era
un simulacro , a media luz, de una canilla en el baño perdiendo un hilo de agua
y su correspondiente chorro drenando por la rejilla, estaba todo hecho en
vidrio, y fue muy gratificante saber que varias personas intentaron cerrar el
grifo , pensando que era real.
N:-Hablando
de tus obras…… ¿Como es la relación con las galerías y los circuitos de venta?
C:- Por
suerte bastante bien, pertenezco al staff de una de las galerías mas
importantes del país , GC arte de Gianni Campochiaro y Luisa Pedrouzo, gente
maravillosa que desde hace unos años me ayuda en la difusión de lo que hago.
Aunque hace dos años que estoy medio inactivo por hacer gestión, este año creo
que doy el salto que necesito. En Mar del Plata es mas difícil, no hay cultura
de coleccionismo, y a veces debemos vender a precios muy bajos , es un tema
pendiente entre nosotros difundir e incentivar a que inicien colecciones de
arte contemporáneo.
N:-Y ya que mencionaste a Mar del Plata, ¿cómo es el panorama artístico de la ciudad?
C:-En nuestra ciudad siempre pasaron muchas cosas, todo va en crecimiento, el nuevo museo ha movido bastante a pensar que podemos organizar, para proponer nuevos eventos, aparecen espacios nuevos y ganas de seguir apostando a la producción y a mostrar todo lo que se hace. Aparecen Talleres específicos y clínicas sobre el arte contemporáneo. Hubo proyectos importantes que instalaron la producción marplatense en un contexto nacional, los casos del proyecto Mopt, Baltar contemporáneo, los Encuentros del Bruzzone, y ahora Mundo Dios y su gran evolución, y en menor escala, grupos de trabajo, talleres, el club del dibujo, los talleres míos que me dan satisfacciones todo el tiempo, hay mucho por hacer, Casa de Madera que se está poniendo interesante, con las nuevas muestra que se vienen haciendo. En líneas generales vamos bien, solo que hay que registrar y editar más las cosas que se hacen para que no pasen al olvido. Y lógicamente más apoyo municipal.
N:-Hablando
de Casa de Madera, ¿cómo fue tu última muestra que montaste en este lugar?.
C:-Mi última
muestra fue “relatos dentro de la caja negra”. Fue realizada pensando en el espacio
que ofrece el lugar, una sala rectangular negra, que aproveche para darme
algunos gustos. Pude hacer una instalación de líneas suspendidas en el aire con
iluminación negra y fue muy exitosa, logré poder jugar con las líneas y obtener
una sensación muy mágica. Fueron doce obras, basadas en doce palabras, que yo
elegí, y que de por si considero relatos. Como bien reza el catalogo “me basta
una sola palabra para imaginarme el resto”. También había una instalación de
una refracción sobre un espejo que jugaba con la ambigüedad de la imagen,
reflejando una cosa en el espejo cuando en la realidad no existía tal cosa.
Bastante ilusionismo, que me fascina poder realizar.
N:-Sé que en
tu formación, tanto en clínicas como en becas, tuviste grandes artistas como profesores,
como Diana Aisenberg, Fabián Burgos, Jorgue Macchi y que hace un tiempo
formaste grupos de producción y reflexión de obra, ¿Cómo desempeñas tu rol de
docente?
C:-Es muy divertido para mí. He creado unos talleres bastante especiales, desde el vamos, les inculco mucha motivación y realmente me baso todo en la búsqueda de los métodos, la técnica específica tan académica queda postergada, respeto cada propuesta, la llenamos de motivaciones, y todo fluye. Los asistentes al taller son considerados artistas desde el vamos, estén donde estén parados y eso los fortalece. No me paro en ningún banquito para dar clases, cada uno se abre a las ideas que se tiran y van progresando de manera vertiginosa. Además se forman los grupos y se fortalecen en la buena onda, solidaridad, y realmente se siente mucho la amistad. Creo que tengo muchos amigos hoy gracias a los talleres. Y además ahora a partir de Abril, vamos a empezar con el GRAPA (Grupo de reflexión, análisis y producción de arte), por cierto una sigla muy interesante, ya que haremos en cada clínica el ritual bien argentino de tomarnos una grapa antes de empezar los encuentros, que serán intensivos una vez cada dos meses.
C:-Es muy divertido para mí. He creado unos talleres bastante especiales, desde el vamos, les inculco mucha motivación y realmente me baso todo en la búsqueda de los métodos, la técnica específica tan académica queda postergada, respeto cada propuesta, la llenamos de motivaciones, y todo fluye. Los asistentes al taller son considerados artistas desde el vamos, estén donde estén parados y eso los fortalece. No me paro en ningún banquito para dar clases, cada uno se abre a las ideas que se tiran y van progresando de manera vertiginosa. Además se forman los grupos y se fortalecen en la buena onda, solidaridad, y realmente se siente mucho la amistad. Creo que tengo muchos amigos hoy gracias a los talleres. Y además ahora a partir de Abril, vamos a empezar con el GRAPA (Grupo de reflexión, análisis y producción de arte), por cierto una sigla muy interesante, ya que haremos en cada clínica el ritual bien argentino de tomarnos una grapa antes de empezar los encuentros, que serán intensivos una vez cada dos meses.
N:-Una última pregunta, ¿cómo ves el desarrollo actual del arte argentino?
C:-Te voy a
mencionar algo que ya me publicaron en Bola de Nieve, un sitio de Telefónica y
creo que responde a esta pregunta y dice así:
“El elemento en común básico, a mi entender, es el acceso a la información .Cuando las instituciones decidieron bajar información a través de referentes importantes dentro del quehacer artístico nacional, hacia el interior de nuestro inmenso país, se comenzó a generar una red de contención de muchos artistas dispersos por todos lados, sin posibilidades de hacer circular sus lenguajes mas allá de sus propias paredes.
Los encuentros entre artistas generaron otro tipo de relación entre ellos, muy amena, donde se genera confianza con el otro, donde se acepta la crítica, y donde se estimula la realización de eventos artísticos de toda índole. Ahí aparecen los artistas haciendo gestión y preocupándose por ganar espacios que nunca tuvieron.
Esto comenzó a generar una red inmensa, como esta bola de nieve que nos convoca hoy y que es parte de esta red también, haciendo que todos o casi todos con el tiempo puedan mostrar sus producciones.
Igualmente esto no será positivo si no se aprovecha para mejorar esas producciones en beneficio de una mejor vida en lo individual y una inserción genuina en nuestras comunidades.”
Esto lo dije allá por el 2009, y hoy sigo diciendo que hemos aprendido bastante, todo se expande, y hasta las empresas se dan cuenta que el arte mueve mucho dinero y posibilidades de crecer, es un buen momento para proponer eventos y proyectarse Hay artistas que llegan a grandes realizaciones, y eso es muy interesante. Nos empiezan a tener en cuenta en el contexto mundial, de a poco , pero algo es positivo, lo están reconociendo.
“El elemento en común básico, a mi entender, es el acceso a la información .Cuando las instituciones decidieron bajar información a través de referentes importantes dentro del quehacer artístico nacional, hacia el interior de nuestro inmenso país, se comenzó a generar una red de contención de muchos artistas dispersos por todos lados, sin posibilidades de hacer circular sus lenguajes mas allá de sus propias paredes.
Los encuentros entre artistas generaron otro tipo de relación entre ellos, muy amena, donde se genera confianza con el otro, donde se acepta la crítica, y donde se estimula la realización de eventos artísticos de toda índole. Ahí aparecen los artistas haciendo gestión y preocupándose por ganar espacios que nunca tuvieron.
Esto comenzó a generar una red inmensa, como esta bola de nieve que nos convoca hoy y que es parte de esta red también, haciendo que todos o casi todos con el tiempo puedan mostrar sus producciones.
Igualmente esto no será positivo si no se aprovecha para mejorar esas producciones en beneficio de una mejor vida en lo individual y una inserción genuina en nuestras comunidades.”
Esto lo dije allá por el 2009, y hoy sigo diciendo que hemos aprendido bastante, todo se expande, y hasta las empresas se dan cuenta que el arte mueve mucho dinero y posibilidades de crecer, es un buen momento para proponer eventos y proyectarse Hay artistas que llegan a grandes realizaciones, y eso es muy interesante. Nos empiezan a tener en cuenta en el contexto mundial, de a poco , pero algo es positivo, lo están reconociendo.
Para más
información sobre la actividad de este artista visitá
http://claudioroveda.blogspot.com
Leer más: http://www.originarte.org/2012/04/entrevista-a-claudio-roveda-de-nahuel-santiago/#ixzz3LN0HctzI
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